Зубков Геннадий

Геннадий Зубков

1940 – родился в г. Пермь
1962 – 1968 – художественно-графический факультет Ленинградского педагогического института им. Герцена
1963 – 1973 – знакомство с художником Владимиром Васильевичем Стерлиговым (1904 – 1973), учеником Малевича, изучение под его руководством живописной культуры импрессионизма, сезаннизма, кубизма, супрематизма, теории и практики расширенного смотрения Матюшина, знакомство с новыми изобразительными средствами, открытыми Стерлиговым в 1960 году и названными художником ЧАШНО-КУПОЛЬНЫМИ
1969 – открытие нового пластического состояния «разорванное пространство» и его дальнейшее развитие: коллаж – современное восприятие мира, состоящее из отдельных моментов увиденного (осознанного), составляющих нечто целое
1976 – 1980 – разработка и проверка на практике плана и методики занятий по проблемам формы и цвета на основе занятий со Стерлиговым
1977 – вывод из «окружающей геометрии» изобразительных средств «форма делает форму» - новый способ организации художественной плоскости
1981 – 1986 – совместные занятия со стерлиговцами по разработанной программе
1982 – «дополнительная форма» - новая возможность в формообразовании
С 1986 года по настоящее время – занятия с молодыми художниками
1995 – создание экспериментальной художественно-исследовательской группы «ФОРМА + ЦВЕТ»
1996 – создание художественного объединения «17 апреля»
1998 – член Союза Художников России

Живёт и работает в Санкт-Петербурге

Персональные выставки:

1967 – выставка-отчёт о проделанной за 4 года работе по освоению живописных основ в мастерской одного из учеников Стерлигова, Ленинград

1983 – « Evidence of Things Not Seen: Gennady Zubkov and the Leningrad Sterligov Group», Norton Dodge and Charlotte Douglas, American Center of Russian Culture, New York

1988 – « Геннадий Зубков. Ленинград», галерея Хагельштам, Хельсинки

1989 – «Третья волна русского авангарда. Геннадий Зубков», выставочный зал Ново- Валаамского монастыря,          Финляндия

1991 – «Геннадий Зубков. Живопись, графика», галерея WIVI, Юваскила, Финляндия

1993 – «На природе и в мастерской», концертно-выставочный комплекс «Смольный собор», Санкт-Петербург

1994 – «Импрессионизм сегодня», Государственный русский музей, Мраморный зал, Санкт-Петербург

1995 – «В саду семьи Мартини», Бохум, Германия

1999 – «Импрессионистический кубизм», галерея Современного искусства Дианы Бил, Вашингтон

1999 – «Papaver L., или уроки ботаники» выставка одной картины, Государственный русский музей, Санкт-Петербург

2000 – «Позавчера, вчера, сегодня», галерея «С.П.А.С.», Санкт-Петербург

2000 – «Выставка в Дальхаузене», Бохум, Германия

2000 – «Геннадий Зубков. Живопись, графика», галерея Nikole Netuschil, Вермельскирхен, Германия

2000 – «Импрессионистический кубизм», галерея «Гильдия мастеров», С.- Петербург, выставочный зал музея А. С. Пушкина, Михайловское, Россия

2001 – «Геннадий Зубков. Живопись и графика из Санкт-Петербурга», галерея Nikole Netuscil, Вермельскирхен, Германия

2002 – «Made in America. До и после 11 сентября», выставочный центр Санкт-Петербургского Союза Художников

2003 – «Геннадий Зубков. Живопись», галерея «На Обводном», Санкт-Петербург

2004 – «Живопись и графика Геннадия Зубкова», галерея «Гильдия мастеров», Санкт-Петербург

2005 – «Лето 2005. Черногория», галерея «С.П.А.С.», Санкт-Петербург

2006 – «Природа вечной женственности», дворец культуры «КИНЕФ», Кириши, Россия

Работы художника находятся в собраниях:

Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург
Государственный Русский Музей Изобразительных Искусств им. А.С.Пушкина
Государственный Музей Истории Санкт-Петербрга
Музей Искусств Джейн Вухрист Зиммерли, Нью-Брансуик, Штат Нью-Джерси, США
Музей Современного Духовного Искусства, Коломна, Подмосковье
Музей Нонконформистского Искусства, Санкт-Петербург
Художественный Музей, Ярославль
Музей Изобразительных Искусств Республики Карелия, Петрозаводск
Областной Художественный Музей, Томск
Государственный Музей Изобразительных Искусств, Кемерово
Музей Изобразительных Искусств, Архангельск
Музей Чек Поинт Чарли, Берлин, Германия
Музей Нонконформистского Искусства, Санкт-Петербург
Собрание Объединённой Дирекции Музеев Ленинградской области, Санкт-Петербург
Собрание Нортона и Ненси Додж, Меканиксвилл, Штат Мэриленд, США
Собрание фон Ламбсдорф, Берлин
Собрание доктора Бодена, Берлин
Собрание Виктора и Ирины Ксензовых, Санкт-Петербург
Собрание Анатолия и Галины Сидоровых, Санкт-Петербург
Собрание Американского Отделения Дойче Банка, Нью-Йорк, США
Вест Хипо Банк, Дортмунд, Германия
Петровский Банк, Санкт-Петербург
Банк «Сатурн», Москва
Фонд Натальи и Татьяны Колодзей, Москва, Нью-Брансуик, США
Фонд Искусств им. Дягилева, Санкт-Петербург  

 

Школа Стерлигова

«Импрессионистический кубизм» - термин, впервые употребленный Владимиром Васильевичем Стерлиговым (1904 – 1973). Два разных вполне устоявшихся понятия соединены для выражения новых живописных исканий. В данном случае употребление этих понятий условно. Импрессионизм становится отправной точкой цветообразования, в кубизме внимание заостряется лишь на геометризации. В понимании Стерлигова «импрессионистический кубизм» таит в себе нераскрытые возможности. Логический ход развития искусства в нашей стране был насильственно нарушен. Важные пластические идеи остались «законсервированными» на долгие годы.

Стерлиговская школа выросла на опыте Государственного Института Художественной Культуры (ГИНХУКа), существовавшего в Ленинграде в 20-е годы. Здесь преподавали Казимир Малевич, Михаил Матюшин, Павел Мансуров и другие видные представители русского авангарда. Ученик Малевича Владимир Стерлигов сумел освоить и развить полученные знания. Его ученики и «постстерлиговцы» имеют возможность приобщиться к изобразительным проблемам 1910-30-х годов и строить свое творчество на основе определенной культурной традиции. В наших занятиях – отработанная методика и принцип устройства отчетных выставок по завершении пройденной темы.

В опыте русских художников искания французской живописи конца XIX – начала XX столетия обретали свою новую версию. Казимир Малевич, Михаил Матюшин, Владимир Татлин, Михаил Ларионов сделали свои собственные выводы из проблем, поднятых европейским искусством. Стерлиговская школа дает особое понимание современного пластического языка.

Соединение импрессионистической цветности с геометризацией – одна из многих поднятых проблем. Выставки с названием «Импрессионистический кубизм» устраивали группы «Форма + Цвет», «Окна». Изучение цветовой гаммы русской иконописи – то новое, что предпринято и получило отражение на настоящей выставке.

Деление – способ организации художественной плоскости, согласно соображениям контраста. Линия не обозначает контур предмета, а, потеряв самодовлеющее значение, становится границей столкновения темного и светлого тонов, теплых и холодных цветов. Прибавочный элемент геометризации – встреча 3-4 форм. Разрастаясь, структуры заполняют всю плоскость картины. Классическим примером этого Стерлигов называл картину «Фабрика в Хорта де Эбро» Пикассо в Эрмитаже.

По поводу цветового раздела выставки надо сказать о том важнейшем, что привлекает в импрессионизме. Казимир Малевич определил здесь цвет как прибавочный элемент. Нам бы хотелось уточнить очищение цвета основная задача импрессионизма. Средствами этого стали раздельный мазок и выявление дополнительностей: красно – зеленой, оранжево – голубой, желто – фиолетовой. В соединении двух образуется дополнительный третьему.

В постимпрессионизме – работа раздельным мазком. Для сохранения чистоты он превратился в точку (Сера, Синьяк, Кросс). Прямые цвета, попадая между дополнительными, привели к погашению гаммы. Это новый этап в цветоведении, когда работа чистым цветом приводит к погашенной гамме. Импрессионистическая цветность трансформируется в погашенную, мерцающую. Здесь представлены таблицы и работы, как вывод из теории.

Выставка – отчетная для группы «ОКНО», итог полутора лет работы. Экспонируются и работы тех, кто несколько ранее освоил цветовые и графические штудии: Ольга Моисеева, Татьяна Туличева, Наталия Ватенина, Татьяна Беляева.

Представлены работы, сделанные в 1960-х годах на занятиях «Импрессионистический кубизм», «Постимпрессионизм», «Валеры», «Геометризация» «Сезанн» художниками Владимиром Стерлиговым, Татьяной Глебовой, Сергеем Спицыным, Елизаветой Александровой, Геннадием Зубковым, Алексеем Гостинцевым, Валентиной Соловьевой.

Выставленные работы приоткрывают стадии строительства формы, овладения цветом – подступы к современной живописной культуре. К концу столетия можно говорить о классичности той линии, которая обозначена вехами – импрессионизм, Сезанн, кубизм, супрематизм. Здесь видна неуклонная логика развития, выводы из наблюдений природы, провидение философской значимости чистой формы. Освобожденная от предметности, она обнаружила новые уровни содержания.

Художественная культура необходима современному живописцу. Он ответственен за то, что выпускает в мир. Его работа неотделима от духовно – нравственного старания. В этом основа школы Стерлигова.

 

 

Сорок лет существования школы – это много или мало?

17 апреля 1960 года Владимир Васильевич Стерлигов сделал рисунок, который назвал «Первая бабочка». Он открыл новый прибавочный элемент в живописи, создал новую пластическую систему, которая оказалась неразрывно связана с природой. Традиционное пространство Эвклида с прямоугольной системой координат, с очевидной линейной зависимостью всех форм и явлений уже не может вместить все современные представления человека о мире.

Новая система, предложенная Стерлиговым, позволила передать в живописи иное понимание пространства: его криволинейность, многомерность, возможность сосуществования миров и антимиров.

Об учительском даре Стерлигова уже много раз говорилось. Но нужно было передать ученикам не только умение строить форму, а нечто другое: нужно было «заразить» духом творческой тайны. Без понимания этой тайны, без духовного делания, по словам Стерлигова, ученики уподоблялись бы Каю в царстве Снежной Королевы, в руках которого прозрачные льдинки никак не могли собраться в слово.

Стерлигов научил служению искусству. Он считал, вслед за Павлом Флоренским, что если нет абсолютной ценности, то нечего и воплощать, если жизнь чужда божественности, то она не способна воплотить в себе творческую форму.

Создание современной философски-религиозной живописи, то, о чем мечтал учитель, продолжается в работах его учеников. Традиционные композиции евангельских сюжетов, изображения Богоматери, старцев, певчих в церкви обретают в работах Сергея Спицына и Елизаветы Александровой, благодаря новой пластике, изначальное представление о Лике, а не о лице, об универсальности, а не единичности.

Работы художников, получивших творческий заряд в кругу идей Стерлигова, отличишь на любой выставке. И не только потому, что их «выдает» пластическая система. Работы Александра Носова или Алексея Гостинцева, казалось бы далеко ушли от формального источника. Пастели Носова полыхают цветом, а в холстах Гостинцева струится свет, - и ни намека на математически выверенную формулу. Но в их работах не осталось ни одного сантиметра холста или бумаги, для изображения того, что в традиционной живописи принято называть «средой». Цвет и свет в их работах движется по плоскости, возникнув где-то в глубинах мироздания, и туда же возвращается, оставив нам свой отблеск.

Драматический диалог листвы и ветра, созданный Наталией Ватениной, натуральный в своей основе, по сути – беспредметен. Драма разыгрывается между холодными и теплыми тонами, каждый из которых пытается вытеснить «противника» из пространства, оставляя на «поле битвы» мертвые обесцвеченные зоны.

Возможно, что самый главный урок, который давала и дает школа Стерлигова, это – возможность обрести творческую свободу.

Геннадий Зубков является не только художником, но и теоретиком, и учителем. Ему принадлежит новый принцип построения формы, вытекающей из окружающей геометрии Стерлигова – «форма делает форму». Зубков показывает на выставке большие полотна, которые родились на основе ранних штудий. Увеличение размера полотна является серьезной проверкой крепости и сделанности, выверенности формы. Логика и поэзия, алгебра и гармония равно сочетаются в его полотнах. Пейзажи и неспешные деревенские сцены – изначальные, глубинные темы русского искусства – раскрывают многообразие пластических приемов, которыми пользуется художник.

Три года существует объединение «17 АПРЕЛЯ». В него входят как непосредственные ученики Стерлигова – Елизавета Александрова, Сергей Спицын, Геннадий Зубков, Алексей Гостинцев, Александр Носов, Валентина Соловьева, так и ученики учеников – Наталия Ватенина, Ольга Моисеева, Татьяна Туличева, Татьяна Беляева, уже успевшие заявить о себе в художественной жизни Петербурга и начинающие художники – Катерина Сахарова, Настя Зеелова, Светлана Цвиркунова. Следуя традиции изучения живописи в мастерской Малевича, а затем и Стерлигова, они анализируют предшествующие системы искусства, начиная с импрессионизма. Они «разучивают гаммы», учат «фонетику» языка – соединяют пространство листа с пространством формы.

Их искусство это еще и искусство не «симфоний», а «этюдов», но от выставки к выставке заметно как крепнут их голоса.
Так много или мало – сорок лет существования школы? Возможно в сегодняшнем сумасшедшем и суматошном мире – много. Но, судя по работам художников, принципы этой пластической системы все еще не исчерпаны.

Стерлигов недаром был не только художником, но и поэтом. Образ легкой, изящной, свободной бабочки, празднично и торжественно совершающей полет, заворожил не только его. Удивление и радостное преклонение перед возможностью передать сложную красоту мира привлекает к живописи все новых и новых творцов и поклонников.

Людмила Вострецова
Член Международной Ассоциации Художественных критиков (AICA)

Показано 1 - 9 из 12